Joël Krauss, masques : les affres de la guerre

 

Joël KRAUSS, les affres de la guerre 1 et  2, 3, 4, 5 (ci-dessous)
Bronze patiné sur socle altuglass, exemplaire unique.
Hauteur 30 cm (45 cm avec socle), année 2018.
(Cliquer sur l’image pour l’agrandir)

      Le langage de l’art au plus proche du vécu : c’est l’expression la plus pertinente qui me vienne à l’esprit pour définir le geste artistique de Joël Krauss.
Soit donc un ensemble de dix-huit visages de métal sculptés, ces « masques de bronze » tels qu’il les définit, et qui cristallisent les derniers instants de soldats au combat.
Joël Krauss, lui-même Grand Invalide de Guerre, est aussi peintre, mais d’une peinture apaisée. Il a fallu sans doute intimement chez lui la confrontation tactile la plus brute à la matière, au plus proche de la terre, pour affronter l’expulsion de ce cri resté longtemps en son être comme en hibernation. Cette expérience de sculpteur, nouvelle dans son parcours d’artiste et si intimement liée à son vécu, fait de lui le plus apte à en parler, et nous lui laisseront la parole.

      Nous, simples regardeurs, recevons cette création comme témoignage d’un passé et d’un vécu douloureux, dont l’Histoire n’est hélas pas avare. Mais elle est aussi un manifeste pacifiste offert à l’humanité présente et future. Ce qui est une définition noble de l’œuvre d’art…

      « Je suis né en Lorraine, terre de combats. Ses paysages conservent la trace des bouleversements liés aux millions d’obus qui ravagèrent les sols, marqués par ces combats acharnés que soulignent le piquetage des croix et des stèles blanches de nombreux cimetières militaires.
Lors de mon service militaire, effectué comme officier appelé en Algérie, j‘ai été grièvement blessé et suis devenu Grand Invalide de Guerre. La souffrance, l’approche de la mort m’ont amené à chercher un moyen de faire ressentir et de transmettre la souffrance et les affres de la mort de ceux qui partaient pour la guerre.

      J’ai fait le choix de la guerre terrible de 14/18, en tentant d’imaginer ces affres de la mort qui hantaient les soldats montant à pied vers le front, vers les tranchées. Ils savaient que la moitié d’entre eux ne survivraient pas à ce long trajet, et que les survivants seraient blessés, certains physiquement, mais tous psychologiquement, à vie.
Ces affres de la mort étaient pour eux s’imaginer déchiquetés par les éclats d’obus ou enterrés vivants lors des pilonnages infernaux, lorsqu’une partie de la tranchée était pulvérisée par les obus. C’était aussi s’imaginer fauchés par les tirs de mitrailleuses lors d’assauts vers les lignes ennemies. C’était aussi s’imaginer, lors d’un assaut ennemi, être réduit en momie calcinée par un jet de lance-flamme ou mourir d’une longue asphyxie dans une nappe de gaz toxique. C’était enfin une désespérance immense qui les rongeait, de penser que leur vie allait s’arrêter là, leur ôtant la possibilité de vivre une vie d’homme, de mourir sans avoir aimé. Cette angoisse sur leur devenir s’amplifiait de jour en jour alors qu’au front, ils voyaient leurs compagnons de combat succomber.
J’ai imaginé, alors que la mort les atteignait, que les affres de la mort qui les hantaient, se cristallisaient sur leurs visages, les transformant en masques de soldats inhumains d’une guerre inhumaine.

      Ces masques de bronze reconstituent une apparence imaginée de visage dans la stupeur de leurs derniers instants. Et pourtant, les masques inhumains qui remplacèrent leurs visages conservent encore quelques traits humains.
L’idée de départ qui a guidé la conception de ces masques était une tentative d’exprimer, pour le centenaire de la guerre de 14/18, la violence infernale et les affres de la mort insupportables que subissaient les soldats sur le front des combats.
Puis progressivement, ce qui a guidé la conception artistique de ces masques a été la volonté d’utiliser cette tendance naturelle qu’a le cerveau humain de percevoir des visages là où il n’y en a pas : la paréidolie.

Torturée, l’apparence des visages fait ressentir l’immense souffrance de ces soldats qui voulaient que cette guerre de 14 / 18 soit la Der des ders !  »
Joël Krauss

 

 

 

Les sculptures de Joël Krauss seront visibles à son atelier les 11 et 12 mai prochain à Nancy pendant les Ouvertures d’atelier du Grand Est.
Ateliers du Canal (ateliers partagés)
Impasse du 26e R.I., 54000 Nancy
Avec ses invités :
         Jean-François Laurent (sculpture)
         Marie-Claire Chevillot et Lakonik Gérard DidierJean (peinture)
         Elisabeth Poydenot et Jean-Charles Taillandier (dessin/gravure)

Coordonnées de l’artiste :
Tel 06 71 00 32 03
j.krauss@free.fr

 

Autres temps, autres mœurs

 

Jean-Charles TAILLANDIER, gravure/dessin d’après gravure de Pieter de Jode
Exemplaire unique sur Fabriano Pergamon (Suite Autre temps, autre mœurs) – (21 x 29,7 cm)(2019).

        Je reviens une fois encore au regard porté à certaines œuvres d’art du passé. Elles offrent souvent un excitant complémentaire à notre plaisir intime de la contemplation : leur énigme et leur vaine tentative à faire sens encore, parce que la finalité même de leur réalisation voulue par l’artiste lui-même ou un collectionneur n’est plus, ou s’est perdue dans la poussière des temps. C’est une expérience qui m’est familière comme amateur d’art. Tel portrait d’histoire gravé se révèle à nous au hasard d’une exposition ou d’une trouvaille bibliophilique et c’est la porte entrouverte sur un autre monde.

Le remarquable, le beau, ne sont plus dans le portraituré. Admiré ou craint de son vivant, le personnage a perdu sa superbe et son prestige et nous en ignorons aujourd’hui jusqu’à son nom. Il n’est plus qu’effigie dans son accoutrement de cérémonie de fine dentelle ou rutilante armure, avec épitaphe gravée à ses pieds dans le marbre, entre deux colonnes, ajoutant à la prestance rigide de la pose la grandiloquence de la lettre. Mais le beau persiste toujours dans le trait du graveur qui œuvrait dans l’ombre portée d’un puissant ou d’un commanditaire demeuré anonyme. C’est du moins ce qui me vient à l’esprit quand je parcours du regard les feuillets gravés d’un recueil de portraits exécutés du côté d’Anvers au dix-septième siècle.

Ci-dessus et ci-dessous : Jean-Charles TAILLANDIER, gravure/dessin d’après gravure de Pieter de Jode
Exemplaire unique sur Fabriano Pergamon (Suite Autre temps, autre moeurs) – (21 x 29,7 cm)(2019)
La gravure de référence de Pieter de Jode est en vis-à-vis  (CLIQUER sur l’image).

      Il est temps que je m’en explique… La bibliothèque multimédia intercommunale d’Epinal-Golbey (bmi)(*) m’a aimablement confié les reproduction numériques d’un recueil de feuilles gravées par Pieter de Jode (eau-forte et burin). Elles suscitent actuellement mon intérêt pour un nouveau travail graphique (plusieurs gravures dudit recueil m’avaient par ailleurs inspiré en 2013 une série de dessins à l’encre dans un registre différent – Voir article Portraits en Renaissance). Ces œuvres ont toutes été exécutées d’après des peintures de maîtres italiens (Titien, Jules Romain, Bassano) ou flamands (Van Dyck, Rubens).

      À l’énigme des portraits de ces princes, princesses, chefs d’armée, empereurs, ecclésiastiques, etc… s’ajoute l’obscure connivence de hasards ou circonstances qui ont fait que ces 120 planches gravées disparates, puis cousues en a volume unique par une main inconnue, aient pu traverser sans dommage trois siècles d’histoire lorraine tumultueuse avant de trouver destination sur une étagère de la salle des boiserie de la bmi. Il est possible que ce document rare fit partie de l’inventaire de la Principauté de Salm rattachée à la France en 1793 et incorporée dans le département des Vosges, qu’il ait pu appartenir alors au patrimoine de l’abbaye de la ville de Senones, alors capitale de la principauté, dont les biens furent dispersés à la Révolution française… Les gravures ont été exécutées par Pieter de Jode, patronyme qui regroupe en fait deux artistes flamands : Pieter de Jode l’Ancien (1570-1634) et Pieter de Jode le Jeune (1606-1674), fils du précédent, graveur lui aussi et marchand d’art. Ce fils est-il l’instigateur du recueil ? L’histoire de l’art nous apprend que l’un et l’autre faisaient partie des artistes engagés par le peintre Van Dyck pour mener à bien sa propre collection iconographique, et qu’à sa mort, Pieter de Jode le Jeune continuera à compléter ladite collection sous sa propre autorité pour des éditeurs flamands. (**)

      Voilà donc pour l’histoire de ces images et le mystère dont elles se parent. Les contempler sans les voir, c’est se heurter au mur de leur anachronisme, n’en retenir que l’enveloppe corporelle sans parvenir à en puiser le tréfonds politique, religieux, voire esthétique. Sans parler de la symbolique du décor(um) et des inscriptions hiéroglyphiques des cartouches, incompréhensibles à qui n’est pas historien et latiniste. Toutes ces gravures glorifient l’autorité, le rang dynastique, la puissance temporelle ou spirituelle. L’art de la gravure apportait dans la société sa démocratisation de l’image, pour qui ne pouvait s’offrir les contributions d’un peintre, et sous un vernis de codifications et de bienséance propres à leur temps, les deux graveurs flamands n’en traduisaient pas moins dans leurs planches la brutalité, la fatuité ou l’orgueil  inhérents à leurs modèles.

      J’ai pris plaisir à imaginer ce que pourrait être la représentation de tel ou telle de leurs modèles s’ils étaient  projetés avec leurs attributs dans notre temps présent sous un coup de baguette magique . Ce n’est pas un exercice de style à prendre trop au sérieux (l’actualité des journaux télévisés regorge déjà de ces personnages importants qui se prennent très -trop- au sérieux).  Un soupçon de légèreté donc, et aussi de dérision sont de mise… La boîte à outil est sommaire puisque le trait du graveur est intemporel, aidé au besoin par quelque maquillage d’image. C’est un exercice de montage de temps hétéroclites au cœur de l’image que j’illustre dans cet article par plusieurs exemples choisis parmi un ensemble plus vaste auquel je travaille actuellement.

(*) Je remercie le personnel de la bmi pour leur aimable mise à disposition des images numérisées.
(**) source Wikipédia).

 

Les Baltiques, de Claudine Rémy

Je suis couché sur mon lit les bras en croix. Je suis une ancre confortablement enfouie qui retient l’ombre profonde au-dessus d’elle. Cette grande inconnue dont je participe et qui est certainement plus importante que moi.
Tomas Tranströmer
Baltiques. Œuvres complètes – Poèmes 1954–2004, éd. Gallimard

 

Claudine REMY, les Baltiques  1, et ci-dessous 2 à 6,
pigments acryliques sur  papier marouflé, 31,5 x 24 cm (2017/2018).
Photos©Nicolette Humbert

 

      L’exposition Baltiques de l’artiste Claudine Rémy nous accueille sur les cimaises de la galerie 379 de Nancy (*) avec une nouvelle série de plus de 20 peintures sur carton, pour la plupart de format 31,5 x 24 cm, travaux inédits aux surfaces mates et suaves et aux couleurs de terre et d’eau. Notre regard ne s’accroche pas ici à l’abrupt surgissement de formes qui déchireraient l’espace mais plonge dans une béance sourde à la lisière d’un matin ou d’un crépuscule incertain, parfois creusé de trouées blanches ouvertes sur une lumière intemporelle.
A défaut donc de repères tangibles, le regard tente dans une première approche d’ordonnancer quelques volumes, ouvertures dans l’espace et lignes d’horizon, afin de percer cette géographie du songe ou de la mémoire, sachant d’instinct qu’une vérité s’y cache appartenant à l’intime de l’artiste : un vestige de présence ou une mémoire enfouie…

 

 

      L’analogie est saisissante entre Baltiques, cette série nouvelle de peintures, et les séries antérieures intitulées Le pont d’amour et Têtes métaphoriques présentées déjà à la galerie 379 en 2011 (voir article Le pont d’amour de Claudine Rémy). Celles-là étaient nourries d’images mentales au carrefour d’une nostalgie d’enfance vécue sur les rives des lacs vosgiens et de souvenirs maternels. On observait déjà dans ces œuvres le même phénomène de transmutation du paysage mémoriel en peinture : « Que cette Terre soit fleurie, meurtrie ou universelle, c’est l’obsession d’un chez-moi, d’une demeure, d’une âme sœur, d’une mémoire, d’un sentiment d’appartenance qui se révèle. J’habite dans mes peintures. Les peindre est une sortie. » (Cl. Rémy, extraits).

      Il s’agit de quête, cette fois encore, inspirée non pas de l’album familial mais puisée dans l’expérience vécue d’un voyage en Allemagne, dans la région côtière de la mer Baltique, sur les traces de son père qui fut prisonnier de guerre, là-bas, au camp de Torgelow, de 1940 à 1945. Il en revint, meurtri, mais parla très peu par la suite de cette expérience douloureuse.

      Sa fille artiste portait en elle ce mutisme comme une lointaine souffrance  et elle avait ce désir fort de retourner sur ses pas, tout là-haut vers le Nord. En 2017, elle a fait ce voyage;  elle a découvert sur place quelques rares vestiges du camp et un mémorial. Elle s’est immergée dans le paysage, esquissant de tout son être une commune réalité entre elle et son père. De retour à l’atelier, elle travailla une année à cette série de peintures, bardée de ses souvenirs, ses ressentis et de tous ses  croquis et repérages photographiques. Et comme enveloppée, imprégnée aussi de l’œuvre de Tomas Tranströmer, ce grand poète suédois maître de la métaphore, dont les écrits, explorant la splendeur de la nature nordique et notre relation intime avec le monde, ont, dit-elle, « cimenté » son travail de peintre.

      Le souvenir du père ressurgit dans ce patient ouvrage intime qui va au-devant de sa figure lointaine et absente dans l’empreinte de ses pas. C’est une expérience de décantation dont le peintre est le médium et la peinture un espace ouvert à toutes les expériences sensibles, pour faire affleurer à la surface du papier ces entrelacs de paysage vécu, d’imaginaire et de nostalgie profonde. La nature sauvage de la Baltique et ses lointains horizons englobent l’espace entier du cadre, tendu au bord du réel, au-delà de toute temporalité.
C’est un paysage que l’on devine ou qui se cherche peut être lui-même, gardant en son sein la figure emblématique du père, laissant apparaître où bon lui semble la trace de sa présence : dans l’évanescence d’une rive sablonneuse, en lisière de forêt ou au milieu des embruns, les bras en croix telle une « ancre confortablement enfouie« , celle-la même qu’évoque la poésie de Tomas Tranströmer.

 

 

 

 

 

 

 


(*) Galerie 379, 379 avenue de la Libération, Nancy / Exposition jusqu’au 13 octobre 2018
Ouverture du mercredi au samedi de 17 à 19 h et sur RV : 06 87 60 82 94 / 06 83 09 58 13
http://claudineremypeintures.ultra-book.com/ 
Remerciements à Nicolette Humbert pour les photographies .   

Persistance du dessin

 

      La plupart des articles de ce blog consacré à ma démarche de dessinateur et de graveur consacre l’idée que la représentation d’un visage repose sur une illusion de vérité.

C’est le cas quand la subjectivité du dessinateur s’adresse au regard qu’il porte au modèle; c’est d’autant plus le cas quand le visage de référence appartient à une iconographie du passé, qu’il soit portrait peint ou gravé, dont sa présence sur les cimaises d’un musée m’interpelle ou me questionne. Á la subjectivité s’ajoute la distance du temps et du monde égaré, effacé de nos mémoires.

J’ai vécu cette confrontation de nombreuses fois au gré de la thématique choisie dans mes séries (voir Portraits des lumières, par exemple, ou Le geste et la trace).

Les traits du visage qui étaient initialement les traits de l’emprise du vivant se dissolvent sous mon propre regard, étranger à leur histoire et à leurs passions, pour n’être plus qu’un répertoire de signes universels et abstraits.

Á l’empreinte du temps se superpose et se substitue inexorablement celle de mon ressenti et de ma façon propre d’appréhender le monde. Mon dessin est ainsi constitué de strates de regards clairs et confus qui se mêlent ou se superposent, matérialisées par des formes graphiques qui sont davantage subordonnées à l’intuition qu’à l’observation. Le seul contrôle qui s’opère à mon jugement de dessinateur résidera dans la superposition finale des fines feuilles de papier qui contiennent chacune des éléments épars du portrait.

      Mais  il ne s’agit pas pour autant de création involontaire ou infondée dans la mesure où l’œil du visage qui sert de référence est consciencieusement préservé, de sorte même d’être le point d’ancrage du dessin en devenir.

      Je vis cette pratique du dessin comme la perpétuelle approche d’un visage idéal qui cherche à imposer une présence mais qui sans cesse se dérobe. Le dessin nourrit sa persistance à renaître de son imperfection même.

 

 

 

 

 

Jean-Charles TAILLANDIER, essais sur la portrait (2013-2018)
De 1 à 6, chaque dessin : encre de Chine, peinture sur papiers marouflés, ( 20×20 à 30×30 cm. )

 

 

Les bas rouges

     Les bas rouges 3, gravure sur plaque vinyl
état intermédiaire sur kraft blanc, 60×60 cm.

      Retour à l’atelier au milieu des planches, des papiers, des encres et des outils… Je pensais en avoir fini avec la série Apothéose en noir et or mentionnée à trois reprises dans ce blog. La présentation de l’ensemble de ses dessins avait été prolongée sur les cimaises du Château des Lumières de Lunéville jusqu’au 31 décembre 2016, accompagnée d’un catalogue. Et puis, une nouvelle thématique m’avait accaparé. Pourtant je restais sur ma faim, car l’exploration d’un tel univers aux confins de l’histoire de l’art, du rêve et aussi du fantasme me poursuivait. Alors je me remis à l’ouvrage, mais avec d’autres outils. Délaissant la spontanéité du dessin sur papier, la gravure en relief ouvrait d’autres perspectives avec un rapport au temps différent. Autant dire une maturation de l’image beaucoup plus lente car soumise aux nécessités d’un langage lui-même dépendant d’une technique rigoureuse qui dicte sa loi : dureté du support, exigence d’un outil de qualité rigoureusement affûté, temps de séchage des encres, jeu des planches multiples, etc… Une somme de contraintes qui pourrait décourager toute entreprise, mais qui, à l’inverse induit un état d’esprit propice à une exploration dans l’image bien spécifique. Le graveur, par principe, n’est pas l’esclave du chronomètre, et d’ailleurs il s’en contrefiche. L’atelier du graveur est avant toute chose un espace de liberté…

      Le tout était de bien choisir mon support. Délaissant le bois de fil ou compressé, j’ai opté pour un support vinyl lisse, dur et homogène que me procurent certaines dalles de sol industrielles vendues dans le commerce. Ce qui permet de disposer d’un format rigoureusement carré superposable avec précision pour un travail en deux couleurs. Cette série nouvelle comportera au minimum dix gravures tirées sur papier Fabriano ivoire. Deux sont aujourd’hui achevées et tirées (voir Les bas noirs 1 et 2 en bas d’article).
Pour chaque gravure, c’est une longue suite d’étapes de travail, depuis l’ébauche du dessin sur papier, dont la composition est au besoin reprise par calques secondaires ou collages partiels, jusqu’au tirage final. C’est pourquoi, j’en élabore plusieurs de front, passant de l’une à l’autre, avec un « cahier des charges » que je respecterai : format carré unique des planches 60 x 60 cm, avec seulement deux couleurs, le noir et le rouge (au besoin noir avec une pointe de blanc) sur le ton ivoire du papier, ce qui se traduit pour chaque image par deux, voire trois planches. Cette simplicité a un but, celui d’épurer au maximum mon langage graphique, reprenant avec deux couleurs au lieu d’une seule, l’esprit qui m’avait conduit à travailler ma précédente série de xylographies  Rouge est la couleur du mystère, inspirée de l’oeuvre peinte de Georges de la Tour. Cette économie de moyens est propice à un état mental qui porte toute l’attention sur la ligne et le trait, qui aurait pour ambition de simplifier l’idée jusqu’à l’épure. Une fois que cette idée principale est consacrée, j’imprime sur papier un premier état  posant les grandes lignes de la composition, qui se précisera au besoin à l’aide de fragments de calques ou de papier collés dessus. C’est la phase de construction de l’image la plus excitante, quand on tourne autour de l’idée d’une forme sans parvenir encore à la concrétiser de façon convaincante. Par ce long cheminement, l’esprit de chaque gravure, puis la série entière trouve peu à peu son unité et sa cohérence. 


Les bas rouges 4, gravure sur plaque vinyl
état intermédiaire sur papier calque avec rehauts de pastel, 60×60 cm.

      Les épreuves d’essai sur kraft ou calques s’accumulent au fur et à mesure de l’élaboration des planches, dont l’ensemble peut me satisfaire, ou bien constituer de potentiels fragments d’images en devenir. C’est ce que j’appelle « ma banque de données ». Peu à peu se bâtit une cohérence de sens pour l’ensemble de la série qui naîtra d’une lente maturation. Seule une idée très générale de la série est préconçue et chaque image se nourrira des apports des précédentes. A l’inverse d’autres graveurs  qui pourraient attaquer d’emblée leur planche à l’instinct. L’étape de la gravure elle-même des planches de vinyl n’est pas la tâche la plus longue dans le processus de création. Elle valide dans la matière un tracé par les ressources conjuguées des gouges en u ou en v, ou des ciseaux pour le dégagement des aplats. Avec cette nécessaire contrainte que connaissent tous les graveurs, qu’est la délicate et fréquente nécessité de l’affûtage des outils. C’est un casse-tête technique que je n’ai pu résoudre de façon absolument satisfaisante en consultant les sites spécialisés, à propos notamment de la valeur d’angle d’affûtage du tranchant des outils. Mon expérience personnelle fait que je m’en tiens à utiliser différents grains de toile émeri en finalisant l’affûtage sur la pierre à huile. Simple affaire de technique, me direz-vous, mais tous les ami(e)s graveurs savent combien un usage précautionneux des outils et des encres est fondamental dans tous les langages de la gravure en creux ou en relief.
En exemple à ces quelques propos de méthode, je vous présente ci-dessous quelques étapes de travail de la gravure (5) de la série Les bas noirs, et l’état définitif des gravures (1) et (2).

Les bas rouges 5, gravure  en cours d’exécution sur plaque vinyl, 60×60 cm.

 

Les bas rouges 5, gravure sur plaque vinyl
état intermédiaire sur papier calque avec collages, 60×60 cm.

 

Les bas rouges 5, gravure sur plaque vinyl
état intermédiaire sur papier calque, 60×60 cm.

 

Les bas rouges 5, gravure sur plaque vinyl
état intermédiaire sur papier calque avec rehauts de pastel, 60×60 cm.

 

Les bas rouges 2, gravure sur plaque vinyl
tirage final sur Fabriano ivoire, 60×60 cm, année 2018.

 

Les bas rouges 1, gravure sur plaque vinyl
tirage final sur Fabriano ivoire, 60×60 cm, année 2018.

 

Portraits des Lumières

 

      Je reviens avec cet article à une série de dessins déjà anciens intitulée « Portraits des Lumières » dont l’exposition inaugurale eut lieu en 2005 à la bibliothèque Stanislas de Nancy, dans le cadre du programme de Nancy 2005, le temps des Lumières.

Un commentaire sur l’un des 33 dessins composant la série avait fait l’objet d’un précédent article, Le peintre et son modèle, à propos d’un dessin inspiré d’un portrait d’Anne-Marie DRANT, peint vers 1785 par Dominique Pergaud qui était aussi son époux (Musée Charles de Bruyères de Remiremont)).

Dans ses grandes lignes, mon projet était de travailler la thématique du portrait, prenant prétexte de sources iconographiques conservées dans les collections publiques ou privées de Lorraine, visages lointains, célèbres ou anonymes ayant vécu au XVIIIe siècle en Lorraine.

Mais il ne s’agissait bien que de prétexte : une béance de plus de deux siècles m’offrait en partage l’apparence physique de parfait(e)s inconnu(e)s d’un autre espace temps, qu’aucune connivence ne pouvait combler. Prenant prétexte de ce regard lointain que l’artiste avait immortalisé par son pinceau sur sa toile, je m’inventais un nouveau personnage et je butais sur son énigme qu’une seule ressource pouvait combler : mon imaginaire… Un imaginaire d’autant plus attisé que le personnage représenté par le peintre était étranger à la grande Histoire et promis à un éternel anonymat. Et je parachevais ma démarche de dessinateur en associant à ce lot de personnages d’époque révolue quelques autres purement virtuels.
Ce qui m’intéressait était d’approcher la thématique du temps, de la trace, et dans ce basculement d’une vérité qui nous échappe inexorablement, au profit de l’invention et du faux-semblant.

S’en est suivit cette série de 33 portraits fantasmatiques, réalisés dans un format 80 x 100 cm à l’encre de Chine et pinceau sur un marouflage de papier orientaux préalablement travaillé par gravure au monotype avec des encres grasses. Soit donc pour chaque dessin plusieurs couches de papier superposées et collées.

      Depuis 2005, la série complète des dessins est conservée dans un coffret de bois verni à l’abri de la lumière, mais quelle ne fut pas ma surprise en soulevant récemment son couvercle : l’huile de lin parcimonieusement mélangée à l’encre grasse de la gravure avait par endroits contaminé les fibres des papiers, parcheminant par endroit les visages d’une belle coloration brune et chaude. C’était mon projet esthétique d’outrepasser le temps par une simple tentative de dessin, de porter vers un ailleurs ce qu’une main anonyme pensait fixer à jamais, et voici que la chimie naturelle continuait l’œuvre, au gré de sa fantaisie. J’y retrouvais l’esprit de mes fantasmagories, mais nourri et embelli d’une patine du temps qui m’enchante.

Jean-Charles TAILLANDIER, Portraits des Lumières (2005)
Chaque dessin : encre, peinture et gravure sur papiers marouflés, 100×80 cm (2005)
De haut en bas :
– Louis-Ferdinand de NESLE, dit « Gervais« , directeur des jardins de François III,  (vers 1750),  d’après peinture anonyme.
– Jean Baptiste CLAUDOT, peintre, (vers 1780),  d’après autoportrait – Musée Historique Lorrain de Nancy.
– Jeanne CHÉRON, Dame de la Congrégation de Lunéville, (vers 1730), d’après peinture de Charles Louis Chéron – Musée du Château de Lunéville).
– Pierre JOBART, Maître des Comptes du Barrois, (vers 1700), d’après peinture de Nicolas Dupuis – Musée des Beaux-Arts de Nancy.
– Révérend Père VERLEY, chanoine régulier de l’abbaye Saint-Rémy, (vers 1730), d’après peinture – Musée Charles de Bruyères de Remiremont.
– Marie-Françoise-Catherine de BEAUVAU-CRAON, Marquise de BOUFFLERS, (vers 1730), d’après gravure – Bibliothèque Municipale de Nancy.
– Stanislas-Jean, Chevalier puis marquis de BOUFFLERS (vers 1780), d’après gravure – Bibliothèque Municipale de Nancy.
D’autres portraits sont en ligne sur le site taillandier-art.com

 

 

Mains

      Toujours ce va-et-vient dans mon travail, entre gravure et dessin. Mais la gravure accapare beaucoup par ses multiples étapes de conception sur le support, et son report sur le papier… Je le vis en ce moment, moi qui grave sur linoléum ce qui sera une suite à Apothéose en noir et or (jusqu’à ce jour une longue suite de dessins présentée dans ce blog dans trois précédents articles).

      Une autre série s’est alors immiscée dans mon travail d’atelier;  elle s’est imposée à moi comme une respiration, un pur travail de dessin sur le thème de la main : la main qui enserre, qui caresse, la main qui se repose ou qui travaille… bref, une main immémoriale, comme pour m’abstraire d’un lourd exercice en cours, qui me libère de toute temporalité, de toute exigence technique, et qui me laisse aux prises avec la simple ressource de l’encre et du papier.

      Sans doute cette petite suite  légère et fugace intitulée « Mains » s’épanouira encore, déroulant sa gestuelle dans la porosité d’un corps qui se dévine plus qu’il ne s’impose au regard. Ce dessin n’a pour fonction que d’inscrire dans le papier la réminiscence d’une pose ou d’un geste qui affleure à notre mémoire. Pas de temps, pas de lieu, juste la trace de ce qu’exprimait un jour une main…

La série compte à ce jour 10 dessins (encre de Chine sur japon, format 30×30 cm).

Jean-Charles Taillandier – « Mains »
de haut en bas n° 3, 7, 10, 5, 4 et 9 (extrait)
encre de Chine sur papiers japon, chacun 30×30 cm, année 2017.

 

Cette suite de dessins est exposée jusqu’au 29 juillet à la Galerie Pichon, 7 bd Recteur Senn, Nancy, dans le cadre de la manifestation

6 WEEK-ENDS D’ART CONTEMPORAIN À NANCY

en partenariat avec l’association GWEAC – Commissaire général Victor Rarès
Plus d’infos et programme complet :
www.6-weekends-dart-contemporain.fr